Театральный клуб детского центра ОГНИ МОСКВЫ

СПЕКТАКЛИ, о которых хочется рассказать!

У известных режиссеров иногда получаются неудачные и слабые спектакли. В то же время, никому не известный автор подчас выдает нечто такое, от чего замирает сердце и очень хочется поделиться с друзьями переживаниями от встречи с Искусством в высшем смысле этого слова! О вкусах не спорят, и всё же, для того чтобы спорить, нужно увидеть, побывать, почувствовать… В театре «Практика» считают, что спектакль состоялся, как акт искусства, если герой сказал со сцены что-то важное о каждом из нас…

А как считаете Вы? Давайте ходить в ТЕАТР и делиться впечатлениями от увиденного. Лучше делать это вместе!

ЧУТЬ-ЧУТЬ О ЖЕНЩИНЕ (театр «Другой театр»)

ТОНКИЙ. Пожалуй, это первое слово, которое очень точно подходит для этого спектакля. Настроение, атмосфера 60-х, персонажи, костюмы, манеры и даже песни и танцы – все точно и все на загляденье.
НОСТАЛЬГИЧНЫЙ. Это тоже про агеевский спектакль, что, в общем-то, логично, потому что 60-е, но эта ностальгия какого-то особого свойства, высшего пилотажа, когда в нее погружаются сидящие в зале двадцати-тридцатилетние, порой даже не понимая, что с ними происходит.
ТРОГАТЕЛЬНЫЙ. Ну здесь, наверное, просто можно объединить первые два тезиса и все, вроде бы, сложится… Но Агеев добавляет еще какой-то неуловимый ингредиент – и получается удивительный эликсир, от которого на глаза наворачиваются слезы.
ЛИРИЧЕСКИЙ. Тут, конечно, пальма первенства у первоисточника, то есть у Эдварда Радзинского, потому что он – автор, но если бы не режиссура Агеева, боюсь, получилось бы зубодробительно скучно. А Агеев сумел подобрать к этой вещи такой хитрый ключик, что мало того, что спектакль смотрится на одном дыхании, он еще и… ВЕСЕЛЫЙ. Не комедийный, не юморной, а именно веселый. На уровне актерской игры и режиссуры. Веселый, светлый и добрый.
ИСКРЕННИЙ. Каждое слово и каждая интонация, настроение и эмоция – все задевает какие-то именно те струны твоей души, навевает мысли, будоражит воспоминания, трогает и не оставляет равнодушным…
ЭФФЕКТНЫЙ. Я написал слово и понял, что оно не совсем точно передаст мысль, которую я хочу выразить.
РОСКОШНЫЙ – вот это значительно точнее, потому что речь здесь пойдет об актерском ансамбле. Инга Оболдина и Ирина Гринева – две подруги – по жизни, по одиночеству, по счастью-несчастью. Одна умная, другая – не очень, но ведь это не важно, главное, что красивые – глаз не оторвать. А сцена, когда они курят на балконе – просто феерична! Максим Виторган в роли женатого мужчины, который и жену не хочет бросать и любимую женщину потерять боится, да и про карьеру не забывает. В противовес ему мужчина-фантом, мужчина мечты, поэт в исполнении Александра Усова – прекрасного актера, который не часто балует нас своим появлением на сцене, видимо, потому что очень аккуратен в выборе сценария. И конечно же, Арина Маракулина. Я бы смело назвал этот спектакль её бенефисом – каждое появление Маракулиной на сцене (а она исполняет несколько ролей) – это фейерверк остроумия и качественного юмора. А уж когда она появляется в одной из сцен в кокошнике, с карамыслом и поет песню на изумительном испанском – зал аплодирует стоя!
УМНЫЙ. Здесь даже не имеет смысл писать какие-либо комментарии, все итак понятно.
ВОЛШЕБНЫЙ. Весь спектакль вызывает неотступное ощущение иллюзорности и призрачности, потому что 60-е, потому что «фантастика-романтика», потому что «хорошо!»… Но когда в финале вся эта прекрасная компания оказывается на морском дне, среди рыб – это бесподобно и, отчасти, волшебно!

Я.Ю.

ОКОЛОНОЛЯ (театр «Табакерка»)

ОКОЛОНОЛЯ (театр «Табакерка») В этом «трешевом» спектакле Кирилл Серебренников и себя показал во весь рост (в смысле, развернулся на всю катушку), и намекнул, кто есть кто, а также кто с кем, как и куда. Начнем с того, что авторство этой пьесы приписывают главному политтехнологу страны Владиславу Суркову (который, кстати, был на премьере, но от комментариев воздержался), а идейным вдохновителем проекта выступил сам Табаков… Сюжетная линия в двух словах такова: Егор Скороходов (еще одна мощная роль Анатолия Белого) – агент, покупающий литературные произведения у безвестных авторов и обеспечивающий ими олигархов и иже с ними. Все дальше и дальше продвигаясь по иерархической лестнице, он максимально приближается к «сильным мира сего», но тут-то происходит самое интересное… Егора, влюбленного в начинающую актрису с ником Плакса, приглашают на закрытый показ фильма с ее участие. В нем Плаксу жестоко убивают, и у героя не остается сомнений, что она действительно мертва. Он отправляется на Юг, в студию «Kafkas pictures», которой заправляют убийцы-киношники под предводительством режиссера Альберта Мамаева, где и становится их жертвой, но чудом остается жив, едет на родину к бабушке, и там, собственно, приходит конец его земным мытарствам. В спектакле очень много режиссерских, чисто «серебренниковских» фишек и заморочек, что делает его настоящим событием театрального сезона: очень интересные «киношные» наезды, разверзающийся потолок, короткометражный фильм в структуре спектакля (тот самый, где Плаксу убивают), снятый, кстати, Владимиром Епифанцевым, живое звуковое оформление с использованием диковинных музыкальных инструментов. Да и сам проход в зрительный зал по коридору из корешков старых книг – очень эффектен и, как позже понимаешь, вполне оправдан, ведь бизнес главного героя – именно книги, а сам он когда-то был вполне нормальным интеллигентом, умным, начитанным и добрым. В общем, спектакль сильный, пробуждающий разного рода рефлексии и оставляющий впечатление какой-то незащищенности, неуютности и невозможности нормальной жизни в одной отдельно взятой стране…

Я.Ю.

1900. NOVECENTO (театр «ТТ Олега Меньшикова»)

1900. NOVECENTO(театр «ТТ Олега Меньшикова») Всем известно, что Олег Меньшиков – прекрасный киноактер. Но мне всегда было интересно, каков он на сцене. Тем более заманчиво посмотреть спектакль «1900. Novecento», потому что, по сути, это моноспектакль. Так вот, Меньшиков, на данный момент, - один из немногих артистов, которые могут играть моноспектакли, у него есть эта самая власть над залом, это умение удерживать внимание зрителя на протяжении долгого времени, шарм и обаяние, которые дорогого стоят. Ну и, ко всему прочему, это абсолютно его текст, его пьеса и его жанр.
Теперь о самом, собственно, спектакле. Это история о гениальном пианисте, играющем на борту трансатлантического лайнера. Он родился в корабельном трюме и никогда в жизни не сходил на берег — его нашли в возрасте 10 дней на борту лайнера и где он научился играть на пианино, никто так никогда и не узнал. "...мальчишке он дал свое имя: Дэнни Будман. Затем прибавил Т.Д. Лемон, точно в соответствии с надписью на картонной коробке, в которой малыша нашли - он говорил, что это изысканно - иметь буквы в середине имени: "у всех адвокатов они есть". Так и получилось - Дэнни Будман Т.Д. Лемон. "Хорошее имя", - сказал, наконец, старина Будман, - "И все-таки чего-то не хватает. Ему не достает красивой концовки." "Добавим "вторник"," - сказал Сэм Сталл, служивший официантом. "Ты нашел его во вторник, назови его вторником". Дэнни подумал немного. Потом улыбнулся. "Неплохая идея, Сэм. Я нашел его в первый год этого нового, чертова века, не так ли? Я назову его Новеченто". "Новеченто? Но это число!" "Было число: теперь - это имя". Дэнни Будман Т.Д. Лемон Новеченто. Прекрасно. Замечательно. Великолепное имя, боже, действительно, великолепное имя. Он далеко пойдет с таким именем. Они склонились над картонной коробкой. Дэнни Будман Т.Д. Лемон Новеченто посмотрел на них и улыбнулся, они остолбенели: никто не ожидал, что такой малыш, может выдать столько дерьма." Пьеса тонкая, изящная, умная и трогательная - и это прекрасно передано самим Меньшиковым, всей сценографией, чудесным джазовым трио и хитрыми режиссерскими заморочками - а все вместе делает спектакль незабываемым пиром для глаз и души. Из сцен меня большего всего зацепил спуск по трапу практически под куполом цирка (в данном случае театра Моссовета): эффектно и даже немного рискованно... и, безусловно, шторм хорош… А еще летающее пианино!

Я.Ю.

УРОД (театр «Практика»)

УРОД (театр «Практика») Однажды несчастному Летте объявляют, что он урод, и у него начинаются проблемы с работой и сложности в личной жизни - босс не даёт провести презентацию собственного изобретения (к слову, это некий замысловатый штекер), а жена, оказывается, смотрит ему только в левый глаз. Бедный мужик бежит к косметическому хирургу и вот - он красавчик! Режиссерская хитрость заключается в том, что у актера (эту роль играет Алексей Завьялов) остаётся всё то же лицо, что и в начале спектакля, но теперь все шарахаются от его красоты, жена смотрит не то, что в оба глаза, а даже и на лицо, босс посылает на презентацию, а вдобавок, еще и появляется целая армия клонов, «наструганных» ловким косметологом. В пьесе идеальное лицо становится синонимом успеха, но успешны многие, а индивидуальностей в этом коммерциализированном мире нет ни одной. Это очень сильно, эффектно и точно, а уж как динамично – просто на уровне ультразвука. Режиссура и исполнение - выше всяких похвал! Сам спектакль получился вполне антиглобалистский - о потере индивидуальности, о штампах и о том, что такое красота духовная и физическая, и какая из них более востребована в нашем мире. И невольно задумываешься о том, что в мире внешней псевдокрасоты остается все меньше причудливых белых ворон, и все больше гамбургеров и попкорна. Смешно и страшно одновременно - так, наверное, и должно быть на настоящем спектакле, главные фишки которого – сама пьеса (автор – немец Мариус фон Майенбург), филигранная европейская режиссура (британец Рамин Грей) и предельно эмоциональная актёрская игра (каждый актер играет по две роли), Кстати, здесь нет никакого музыкального сопровождения, а свет вообще совершенно простой.

Я.Ю.

КТО (театр «Другой театр»)

Кто Этот спектакль из разряда очищения через погружение на самое дно наиболее низменных и отвратительных человеческих пороков и грехов. Эту вещь стоит посмотреть даже ради одного Сергея Белоголовцева (его монолог про выбор между милосердием и справедливостью – пробирает до мурашек и надолго остается в памяти), а если к нему добавить потрясающего по глубине и точности Андрея Ильина - просто загляденье. Ну и Елена Ксенофонтова – достойная актриса, только очень тихая – лучше садится поближе, тогда совсем комильфо. Как уже стало понятно, в спектакле-триллере Максима Виторгана три действующих лица: муж, жена и нежданный гость. И вот в один ненастный вечер Марк (муж) на дороге прокалывает колесо, но на его счастье мимо проезжает Роберт (нежданный гость), который соглашается его подвезти, а после, под каким-то предлогом, заглядывает в гости. Важно, что Марк - председатель комиссии по расследованию дела о пытках, совершавшихся под руководством и контролем врачей, от которых пострадала Анна (жена). И она узнает в Роберте своего мучителя. Естественно, Анна настроена более чем решительно, а Марк, ранее спокойно рассуждавший о необходимости справедливого возмездия за страдания невиновных, погибших от пыток людей, теряется, ведь он должен вынести приговор здесь, в своем собственном доме. Закон или справедливость? Справедливость или милосердие? Милосердие или закон? На протяжении спектакля мнение зрителей поменяется не один раз, а в финале состоится некое ток-шоу с очень узнаваемым ведущим (эту роль опять здорово сыграет Белоголовцев), которое поставит больше вопросов, чем даст ответов. До какой степени можно позволить себе насилие для предотвращения большего насилия? И чем вообще можно предотвратить насилие - моралью, законом или насилием? Каждый ответит на эти вопросы сам.

Я.Ю.

РОЗЕНКРАНЦ И ГИЛЬДЕНСТЕРН МЕРТВЫ (театр «Другой театр»)

РОЗЕНКРАНЦ И ГИЛЬДЕНСТЕРН МЕРТВЫ Сразу оговорюсь, «Другой театр» - это не антреприза, а театр репертуарный, просто его политика такова, что приглашаются очень известные режиссеры и «топовые» актеры и делаются громкие спектакли. Кем приглашаются? Непосредственно директором «Квартета И», потому что это его проект. Так вот, на «Розенкранца и Гильденстерна» были приглашены Анатолий Белый, Евгений Стычкин и Григорий Сиятвинда – и это то, что надо для успеха данного мероприятия. В целом, пьеса Стоппарда – мощный психологический театр и представляет собой шекспировского «Гамлета», вывернутого наизнанку. Взяты два, в общем-то, проходных персонажа, на которых мало кто фиксирует внимание, и их глазами показана вся история. Мысль автора заключалась, по-моему, вот в чем: а ведь у этих персонажей была какая-то жизнь, надежды, печали-радости - а их вот так вот взяли и перемололи в угоду какой-то большой политической игре. Ведь всем глубоко по барабану, кто они такие, и даже кто из них кто – так, серая масса, своего рода "пушечное мясо"... Хотя, справедливости ради, заметим, что и подписались-то они не под самым праведным дельцем - шпионить за Гамлетом… Итого: мы не должны быть дровами для огня страстей главных героев, но в наших ли силах это изменить? Как и в театре Шекспира, в данной постановке все роли исполняют мужчины. Спектакль однозначно эстетский, очень стильные костюмы, строгая минималистическая сценография, выгодно подчеркивающая суть пьесы и шикарную игру Белого, Стычкина и Сиятвинды (последний стал для меня просто открытием). А еще, очень рекомендую перед спектаклем освежить в голове «Гамлета» - многое встанет на свои места…

Я.Ю.

ШОКОЛАД НА КРУТОМ КИПЯТКЕ (театр «Другой театр»)

ШОКОЛАД НА КРУТОМ КИПЯТКЕ (театр «Другой театр») Спектакль - достойный, с ярко выраженной мексиканистостью по духу и сути (даже на уровне языка, с которым все в порядке, когда поют испаноязычные хиты). Порадовал его темп и наполненность, красочность и музыкальность, живая музыка - выше всяких похвал, а сцена "на ножах" - вообще суперская! Главная героиня Тита, младшая дочь у матери, по семейной традиции не может выйти замуж – существует семейный долг быть при матери до ее смерти, но от любви это не спасает. И влюбленный в нее главный герой (естественно, Педро), чтобы быть ближе к своей любимой, женится на ее сестре. Долго герои идут по жизни рядом, но не могут быть вместе, зато потом воссоединяются с такой силой страсти, что умирают в объятиях друг друга. Приправлено все это бесконечными рецептами блюд, которые изготавливаются главной героиней, прирожденной кухаркой, по ходу действия. Текила в розлив – также прилагается! И магический реализм - как «фирменное блюдо» латиноамериканских авторов, начиная с Маркеса, естественно. И еще мне кажется, что «северянинское» - «удивительно вкусно, искристо и острó» - очень про этот спектакль. Здесь хорош весь актерский ансамбль (захотелось назвать его именно так), особое внимание в этот раз обратил на Ивана Замотаева - во-первых, потому что баян, а во-вторых - вспомнил, что видел его в «Чонкине» у Стаса Намина и чуть не умер от смеха на его сценах! Короче, актер - яркий и самобытный, совсем не удивительно, что он попал в ДТ. Немного удивили зрители - ну, драма, конечно, драмой - но так и хотелось иногда сказать: "Расслабьтесь, господа!" - там же столько стеба, причем, качественного. У этого спектакля - очень летнее, яркое и свежее настроение, и его следует принимать как лекарство от скуки и сплина…

Я.Ю.

ПЛЕННЫЕ ДУХИ (театр «Центр драматургии и режиссуры»)

ПЛЕННЫЕ ДУХИ в театре «Центр драматургии и режиссуры» Фантазия – гротеск на литературно-историческую тему с элементами итальянской комедии масок – дель арте. За основу взят реальный факт несостоявшейся дуэли между А. Блоком и А. Белым из-за дочери Д. Менделеева Любочки. Все они и присутствуют на сцене, действуя по одним им известным законам – дурачатся, «галопируют» кентаврами, хватаются за пистолеты, ссорятся – мирятся, короче, развлекаются, теряя всякую связь с окружающим миром и здравым смыслом. И самое главное – находят в этом источник вдохновения, подарившего миру «Серебряный век» русской литературы. Братья Пресняковы написали пьесу в жанре исторического анекдота (вспомним великолепного Хармса!), но очень четко выделили основную мысль - художник должен быть свободен душой – всегда: в любые времена и исторические эпохи!
Пленный дух, по Пресняковым, - это душа, находящаяся в плену у тела. Свобода - только в творчестве, только в прорыве за грань своих страхов и сомнений.
Искрометный и энергетичеки-позитивный спектакль, прекрасные актерские работы (Анатолий Белый, Ольга Лапшина, Артем Смола).
P.S. Только не нужно воспринимать все происходящее всерьез и искать историческую достоверность – ничего не получится и вы не получите удовольствия от этого прекрасного зрелища.
Кстати, Анатолий Белый, «галопирующий кентавром» по сцене – это уже классика современного театра!

Я.Ю.

КОРОЛЬ УБЮ (театр «Et Cetera» п/р А. Калягина)

КОРОЛЬ УБЮ в театре «Et Cetera» п/р А. Калягина Фарс-провокация с Александром Калягиным в роли короля Убю – маленького тирана, волею случая превратившегося в большого диктатора, подчинившего себе целый народ, баловства ради затеявшего войну (и не с кем-нибудь, а с Россией), и в итоге с престола свергнутого. Высокая театральная буффонада на тему о том, кто нами правит и какими путями добивается власти.
«Король Убю» в постановке Александра Морфова рассказывает о власти, доставшейся случайно, власти, которая не оставляет в человеке ничего живого, убивает душу и превращает его в монстра. А этот «монстр» у Калягина выглядит следующим образом: огромные нелепые оранжевые штаны, забавный красный берет с помпоном, клоунские ботинки и по-театральному писклявый голос. Он невинен как ребенок и чем-то похож на Карлсона, в которого вселилась душа Мальчиша-Плохиша. В итоге - шут и диктатор в одном флаконе. Жестокость, замешанная на детской непосредственности и непобедимом обаянии.
Однако, несмотря на все вышесказанное, спектакль отнюдь не мрачный, в нем достаточно эпизодов, чтобы от души посмеяться, порадоваться (прежде всего за Калягина), задуматься и ответить себе на многие вопросы. На данный момент это, пожалуй, лучший спектакль в репертуаре «Et Cetera», а Калягин в роли Убю велик и неподражаем! Сцена же, где он должен держать тронную речь перед микрофоном, достойна великих мастеров комедийного жанра.

Я.Ю.

РАССКАЗ О СЧАСТЛИВОЙ МОСКВЕ (театр «Табакерка»)

РАССКАЗ О СЧАСТЛИВОЙ МОСКВЕ в театре «Табакерка» Москва – это город, столица, культурный центр.
Москва Ивановна Честнова – это девушка, красавица, комсомолка.
Какая из них счастливая – это большой вопрос…
Сценографическое решение спектакля – гардероб, где висят пальто (как жизни и судьбы людей), становится то кабинетом, то комнатой в коммуналке, то домом культуры, а то тихой московской улицей…
Великолепный, очень плотный текст Андрея Платонова (а ведь казалось, что этого автора вообще невозможно поставить!) – главное действующее лицо спектакля.
Сам спектакль очень тонкий и гармоничный, в нем присутствует динамика (что не всегда свойственно литовцу Карбаускису, который, безусловно, хорош!) и очень много интересный режиссерских находок (красное платье Москвы Честновой и потертые стойки гардероба с серыми пальто - знаками прожитых жизней; красно-революционные трусы у красноармейцев как символ «мужества беспрерывного коммунистического счастья» и пар от горячей воды, поднимающийся из граненых стаканов с тяжелыми подстаканниками – ведь все проходит, выкипает, испаряется…).
Очень понравились Ирина Пегова и Александр Яценко – исполнители главных ролей.

Я.Ю.

ПЯТЬ ВЕЧЕРОВ (театр «Современник»)

ПЯТЬ ВЕЧЕРОВ в театре «Современник» Белый снег тихо падает с неба. Белое от падающего с неба снега дерево. Два человека, сидящие рядом с деревом, на которое падает белый снег. Два человека, нашедшие друг друга…
Это финальная сцена очень мудрого, трогательного и ностальгического спектакля. Спектакля о Любви, которая не боится испытаний временем и жизненными обстоятельствами.
Помимо основной сюжетной (и любовной) линии отношений Тамары (Елена Яковлева) и Александра (Сергей Гармаш) – отношений совсем не простых, но очень настоящих, очень любопытна история Славы и Кати, которая выступает красивым и достойным аккомпаниментом и придает действию законченность и объем. А колорита добавляет продавщица местного магазинчика Зойка, женщина в ожидании любви и экзамена по «торговым наукам».
Очень интеллигентная и точная режиссура (А. Огарев, между прочим, ученик А. Васильева!). Интересная сценография: уличный фонарь в натуральную величину с «подбитым глазом», разумеется; кованые ворота в стиле «модерн», горящее «в ожидании чуда» окно дома, и даже каток в зимнем парке (момент счастья героев и зрителей). Да, и два огромных снежных кома – Он и Она…
Все актерские работы – абсолютный восторг!
P.S. И очень жаль, что снег, падающий на дерево, рядом с которым сидят обретающие друг друга Тома и Саша, так быстро заканчивается…

Я.Ю.

ЧЕРНЫЙ МОНАХ (театр «МТЮЗ»)

ЧЕРНЫЙ МОНАХ в театре «МТЮЗ» Спектакль сумасшедшей головокружительной силы с тонкой психологической игрой актеров, филигранной режиссурой и безукоризненной сценографией. Сад из павлиньих перьев, изящные очертания деревенской беседки, которая открывается в пугающую чернотой пустоту (а спектакль-то играется на балконе – так что еще и поэтому присутствует эффект головокружения).
Печальная история о вылечившемся сумасшедшем получилась у Камы Гинкаса пронзительной и жестокой в своей безысходности. Приехавшему в деревню подлечить расстройство нервов главному герою Коврину начинает являться Черный монах, и эта встреча круто меняет его жизнь. «Друг мой, здоровы и нормальны только заурядные, стадные люди. Ты один из тех немногих, которые по справедливости называются избранниками божьими. Ты служишь вечной правде» - от постоянного общения с монахом (который, кстати, существует только в воображении Коврина), он начинает сходить с ума - начинается мания величия. Его отправляют на лечение и добиваются результата, но вместе с избавлением от навязчивой идеи, приходящей с Черным монахом, уходит из жизни Коврина и счастье. «Я сходил с ума, у меня была мания величия, но зато я был весел, бодр и даже счастлив, я был интересен и оригинален...» - бросает он в гневе своей жене. Финал, естественно, трагичен.
Спектакль "Черный монах" надо обязательно посмотреть по нескольким причинам: из-за Маковецкого (Коврин), из-за Ясуловича (Черный монах), из-за Гинкаса (режиссер), ну и в конце концов, из-за Чехова (автор)...
Человек, счастливый в своем безумии, и разрушающий все вокруг, выведенный из этого состояния - в исполнении Маковецкого просто потрясает!
В общем, весьма изысканное блюдо для театральных гурманов, которым предлагается ответить на вопрос: является ли сумасшествие наказанием или это предельная степень творческого счастья, вылечившись от которого, человек обозляется на весь мир.

Я.Ю.

СЛАДКОГОЛОСАЯ ПТИЦА ЮНОСТИ (театр «Современник»)

СЛАДКОГОЛОСАЯ ПТИЦА ЮНОСТИ в театре «Современник» История непростых любовных отношений стареющей кинозвезды и молодого альфонса. Стареющая кинозвезда Александра Дель Лаго (или как она любит себя называть Принцесса Космонополис) сбежала ото всех вместе с молодым красавцем Чансом Уэйном в его родной город. Уэйн же, в свою очередь, вернулся после десятилетнего отсутствия, чтобы забрать свою любимую Хэвенли, дочь крупного политического воротилы. Их многое связывает: ей хочется безоговорочного преклонения, ему - удовлетворения своего тщеславия. Бывший первый красавец в городке, Чанс Уэйн мечтает подъехать на кадиллаке к дому бывшей возлюбленной, увезти ее в Голливуд, чтобы вместе стать звездами. Но из этого ничего не выйдет: он окажется не нужен ни возлюбленной, ни кинозвезде. Чанс пострадает от желания манипулировать людьми и напорется на свою же жестокость, его жизнь скосят серпом в финале люди из окружения отца Хэвенли.
Чувственная и горькая история Теннесси Уильямса о несбывшихся мечтах и разбитых судьбах у режиссера Кирилла Серебренникова (в который раз изобретающего новый театральный язык) шокирует жестокостью, но увлекает страстностью.
Марина Неелова блистательно играет сразу две роли - и Принцессу Космонополис, голливудскую легенду, и Хэвенли – дикое странное полубезумное существо без определенного возраста (ведь ее в свое время бросил Уэйн, заразив нехорошей болезнью). Ее партнером выступает Юрий Колокольников, который тоже очень убедителен, играя погнавшегося за удачей и упустившего свой шанс, свою сладкоголосую птицу юности молодого ловеласа.
«Сладкоголосая птица» предлагает задуматься о том, что именно в юности совершаются непростительные ошибки, со временем превращающиеся в тяжкие грехи, те, что в самый неподходящий момент начинают требовать расплаты, и уйти от этого возмездия невозможно.
Но и настоящая жизнь тоже только в юности. Дальше пошлость и смерть…

Я.Ю.

СУЕР – ВЫЕР (театр «Эрмитаж»)

СУЕР – ВЫЕР в театре «Эрмитаж» Главное, что можно точно сказать об этой 3-х часовой постановке, не поддающегося какой-либо классификации культового произведения Юрия Коваля, это то, что скучать зритель не будет ни минуту. Режиссер и писатель Михаил Левитин предлагает нашему вниманию яркое, оригинальное, порой более чем эпатажное зрелище. Каждый остров, на который попадают разношерстные обитатели фрегата «Лавр Георгиевич», во главе с харизматичным капитаном Суером-Вуером (роль которого блистательно исполнил Владимир Шульга), таит в себе сумасшедшее количество ярких и неожиданных персонажей. Юмор Коваля то заразительно смешон, то лирично грустен, а иначе и быть не может – ведь перед нами история о поисках Истины, а в подобном путешествии нельзя не зажмуриться от рябящих то разноцветных, то черно-белых полос.
И обязательно загляните в буфет на антракте, иначе рискуете пропустить рассказ об островах, которые уже успела посетить команда фрегата, искрометное объяснение таблицы перегаров и многое другое (да, да – спектакль продолжается даже в антракте!).
P.S. Михаил Левитин посвятил этот спектакль Петру Наумовичу Фоменко. По-моему, этим сказано всё!

Михаэль Агафонов
(программа «Ваше Величество Море '2006»)

САМОЕ ВАЖНОЕ (театр «Мастерская Петра Фоменко»)

САМОЕ ВАЖНОЕ в театре «Мастерская Петра Фоменко» Мастерская Петра Фоменко – театр с безупречным стилем. В его репертуаре нет проходных вещей. Очередной изыск – спектакль «Самое важное» Евгения Каменьковича по роману «Венерин волос» Михаила Шишкина. Этот, на первый взгляд неподдающийся постановке роман (по стилю напоминающий «Школу для дураков» Саши Соколова), воплощен изящно, органично и, естественно, стильно. А самое важное, простите за каламбур, это то, что режиссеру удалось сохранить все сюжетные линии повествования – действие спектакля охватывает почти весь ХХ век, а его герои путешествуют сквозь времена и страны: это и Россия времен Гражданской войны, и сегодняшняя Европа и даже древняя Персия. Перед нами проходят судьбы людей разных поколений: интеллигентное семейство начала прошлого века, гимназисты, пионеры, туристы, беженцы-иммигранты (а ведь у каждого своя история, жизнь и судьба…). Стержень повествования – монолог русского переводчика, который работает в швейцарской иммиграционной службе и пишет безответные письма в Россию своему сыну, которого он величает не иначе как «любезный Навуходоназавр». Этот монолог переплетается со страницами вымышленного дневника певицы Изабеллы Юрьевой, который попал в руки к переводчику, когда он еще работал журналистом в России…
Спектакль увлекателен и динамичен, актеры играют легко и одухотворенно (сразу по несколько ролей, от чего становится ещё интереснее).
В общем, это один из тех случаев, когда 4 часа пролетают незаметно, и ты выходишь из зала восторженно-ошарашенным от счастливого совпадения прекрасной литературы и мастерской режиссуры.
P.S. очень советую прочитать «Венерин волос» - получите мало с чем сравнимое удовольствие!

Я.Ю.

ЗАТОВАРЕННАЯ БОЧКОТАРА (театр «Табакерка»)

ОЩУЩЕНИЕ БОРОДЫ в театре «Центр драматургии и режиссуры» Ох, какой же добрый, обаятельный и искрометный спектакль подарила нам в этом сезоне «Табакерка» - просто чудо, а не спектакль!
Итак, Бочкотара (непременно с заглавной буквы, потому что она – главная героиня спектакля) – т.е. бочки, освободившиеся от товара в сельпо и сваленные в кузов, превратили грузовик Владимира Телескопова в живое волшебное существо. Оно несется по разбитым дорогам российской глубинки куда глаза глядят, и несет на своем борту странное собрание человеческих типов. Чудак-ученый Дрожжинин, единственный в мире специалист по нереальной латиноамериканской стране Халигалии (очередная прекрасная роль набирающего обороты в Табакерке Евгения Миллера), бывалый моряк Шустиков, трогательно влюбленный в недотрогу-учительницу Селезневу, бывший инспектор по колорадскому жуку старик Моченкин (Дмитрий Бродецкий, который, что любопытно, в предыдущей версии спектакля 90 года играл пилота-распылителя Кулаченко), пожилая лаборантша Степанида Ефимовна (за глаза Ангелины Миримской иногда просто страшно, но образ – есть образ), разбитной, то и дело сбивающийся с пути шофер Володя Телескопов (Аркадий Киселев)… Более разных героев еще поискать. Но на Бочкотаре они стали почти родственниками. И вот в ностальгии по теплоте человеческих отношений – суть этого обаятельного спектакля.
Спектакль-путешествие, где все куда-то весело едут (а именно, в мифический город Коряжск) — оборачивается ностальгической машиной времени, пассажиры чудесного грузовика видят в пути диковинные сны (в которых все, как один, непременно видят Хорошего Человека), пишут смешные письма в очень высокие инстанции (а в почтовый ящик их бросают зрители) и попадают в самые невероятные истории.
Конечно, не обойдется в нашей истории без Пороков (чего стоит один Игрец, являющийся Степаниде Ефимовне!), но главной спутницей наших героев станет Романтика, в прекрасном исполнении Марии Соковой (чудо, а не актриса – побежал за цветами))
P.S. … в общем, я все больше и больше люблю Евгения Каменьковича – в прошлом сезоне моим любимым спектаклем стал его «Самое важное» у Фоменко, в этом табакерковская «Затоваренная бочкотара». И оба – ну просто на загляденье!

Я.Ю.

ОЩУЩЕНИЕ БОРОДЫ (театр «Центр драматургии и режиссуры»)

ОЩУЩЕНИЕ БОРОДЫ в театре «Центр драматургии и режиссуры» После просмотра этого спектакля хочется в деревню. Нестерпимо – сразу и непременно! Чтобы сполна набраться этих дивных впечатлений, эмоций и ощущений (бороды, естественно!), окунуться в неповторимый колорит, насытиться редкой красоты языком, насидеться на завалинке и напиться, в конце концов, с деревенскими мужиками – обитателями богом забытой деревеньки В. Дворики, где «каждый день - праздник». А главное, «не бояться своих болот, беречь и защищать своих чудовищ» - ведь мы сами их себе «отрастили», наподобие бороды («борода пушистая, кудрявая, высококачественная борода»)!
В этом замечательном спектакле, помимо ухающего за сценой чудовища – предвестника настоящей смуты и стихийного русского бунта, будет немало весьма колоритных персонажей. Это и призрак старого князя, и священник, разъезжающий на самокате и созывающий «на молебен о дожде», и местный пастух-поэт (непризнанный, естественно), и деревенский дурачок Юра Лившиц, и даже спецназовцы (как и полагается в камуфляже), появляющиеся в самый неожиданный момент.
Залихватски-озорной и, в то же время, лирический спектакль, предлагает задуматься над очень важными вещами, но делает это в легкой и ненавязчивой форме (собственно, в лучших традициях Центра драматургии и режиссуры). Как всегда радуют актеры: Ольга Лапшина, Артем Смола, Владимир Скворцов и Владимир Панков. А в главной роли – Елена Захарова, играющая молодого, но уже известного литературоведа, которая приехала в деревню за «бородатостью» и, естественно, её получила.
Кстати, как это ни банально, но спектакль «Ощущение бороды» - о русской Душе, которая вечно балансирует на грани дикой пьянки с поножовщиной и высокой Поэзии…

Я.Ю.

ТРИ ДЕЙСТВИЯ ПО ЧЕТЫРЕМ КАРТИНАМ (театр «Практика»)

ТРИ ДЕЙСТВИЯ ПО ЧЕТЫРЕМ КАРТИНАМ в театре «Практика» Кичевый и постмодернистский, стебный и стильный спектакль – размышление о современном искусстве, где очень точно поймана связь между ХIХ и ХХ веком (мысль о том, что история повторяется, не нова, но в данном варианте весьма интересна). Сюжет – четыре ожившие картины вымышленного художника-передвижника ХIХ века Андрея Брашинского. Харизматичные Дмитрий Мухамадеев и Артем Семакин – в главных ролях. Один играет сначала утонченного профессора–«карандашиста», а затем деревенского кучера, другой – молодого литератора–разночинца. Судьбы этих персонажей по ходу сюжета пересекутся в двух картинах: литератор Николай сначала станет незаменимым другом для профессора (картина «Поживи с мое»), а потом попытается приобщить пьющего извозчика к более прогрессивным средствам изменения сознания (картина «Окольной дорогой»). За что и поплатится…
Петербургские трущобы, революционные кружки, черносотенный митинг, экзальтированные барышни, секта свистунов, раскисшие дороги, села и овраги русской глубинки – вот материал, из которого складываются три, заявленные в названии, действия. Сценическое пространство очень удачно соединено с видеоартом, и герои «сходят с картин» не только в переносном, но и в прямом смысле. Кстати, интересна мысль о связи людских судеб с картинами…
От любого времени остается только память и ностальгия… В финале «3х4» на экране появляется старая шкатулка, из которой чьи-то руки достают фенечки, значки с изображением Цоя, браслеты, колечки, мятые рубли – и невольно начинает щемить сердце…
Режиссер Михаил Угаров говорит о том, что сложился определенный штамп восприятия ХIХ века – «немыслимая красота, русское дворянство, русское крестьянство, лошади, яблоки, мороз, барышня с револьвером… А сам ХIХ век не имеет никакого отношения к нашему мифу, который вытащен из Бунина, из Чехова, из Куприна, из кого угодно, т.е. многие воспринимают реальную жизнь по законам искусства…».

Я.Ю.

НЕ ПРО ГОВОРЕННОЕ (театр «Центр драматургии и режиссуры»)

НЕ ПРО ГОВОРЕННОЕ в театре «Центр драматургии и режиссуры» Девочка и мальчик. Мама и девочка. Девочка и проститутка. Проститутка и мальчик. Они пытаются говорить друг с другом, пытаются найти слова – и не находят. Вернее, находят, но не самые подходящие, потому что слово не всегда может выразить то, что мы действительно хотим сказать. Слова очень часто подменяют смысл и суть того, о чем должна идти речь. И вся жизнь состоит из маленьких «непроговоренных» событий, которых и словами-то не объяснить… Вот примерно об этом «Не про говоренное» - смешной, трогательный и бесконечно обаятельный спектакль (автор текста и режиссер – Михаил Покрасс).
Мать не знает, как вести себя с дочерью, дочь не знает, как самоутвердиться, чтобы не обидеть мать. Одна гуляет до полночи – другая ходит по квартире из угла в угол, «репетируя скандал». А уж когда они встречаются – разговоры начинаются недетские…
Девочка и мальчик в принципе нравятся друг другу, и на уровне эмоций они чувствуют, что им нравится не только сидеть рядом, но … они не умеют об этом сказать. Мальчик, он вообще по ходу действия говорит очень мало, как будто накапливая в себе то, что прорвется в конце спектакля в сумбурный, но в то же время очень доверительный монолог (на уровне Гришковца) про обман говорения.
А еще этот спектакль о понимании. Или о непонимании. О возможности понять и о невозможности высказаться. Он очень наивный и одновременно (опять слово из Гришковца подвернулось) мудрый, светлый и по-доброму смешной. В нем даже проститутка очень трогательная и обаятельная!
Александр Яценко в роли Мальчика – the best, Мария Сокова в роли Мамы – просто super!

Я.Ю.

ДЕМОН. ВИД СВЕРХУ (театр «Школа драматического искусства»)

ДЕМОН. ВИД СВЕРХУ в театре «Школа драматического искусства» Озорное, высокохудожественное театральное хулиганство! Искусство как практика искусства глазами и руками (!) одаренных молодых людей, очень любящих то, что они делают на сцене, и заряжающих своей энергией зрительный зал, который, действительно сверху, смотрит на сменяющие друг друга внизу живые картинки (на любой вкус и цвет: тут Вам и «Подсолнухи» Ван Гога, и «Полет» Шагала, и что-то из Пиросмани, и немножко от Параджанова). А еще Адам и Ева, Гоголь, сжигающий второй том «Мертвых душ», Толстой в Ясной пАляне, буйство красок Маяковского, и настоящая грузинская свадьба (с заколотым на ваших глазах бараном). Обобщая - полная эклектика! И все это в сопровождении живого саксофона.
Интересно, очень вкусно, и даже порой захватывает дух!
Да, кстати, сверху за всем этим наблюдает Демон (вполне возможно, что и лермонтовский).
Короче, рассказать – невозможно, смотреть – обязательно!
«Нас спасут немотивированные акты красоты» - строчка из Б.Г. как будто специально написана про этот спектакль.
Безусловный шедевр. Браво, Маэстро Крымов!

Я.Ю.

ИЮЛЬ (театр «Практика»)

ИЮЛЬ в театре «Практика» Июль – это середина лета, это жара и это болезнь, поразившая мозг главного героя, символ воспаленного сознания…
Текст про маньяка-каннибала – Иван Вырыпаев. В роли маньяка-каннибала – Полина Агуреева. В итоге - потрясающий бешено-энергетический спектакль.
Черная сцена, стильный микрофон и одинокий силуэт актрисы в строгом черном платье – вот три визуальных слагаемых успеха этого представления. Добавьте к этому здорово выстроенный свет! Но основное, конечно, это текст (метафоричный и почти поэтический) и игра неподражаемой Агуреевой! Она органична и убедительна, мастерски подбирает тона и полутона, чтобы донести (иногда прошептать, а иногда и прорычать) внутренний нескончаемый монолог главного героя, который по ходу действия – по пути в желанную психушку – съедает священника и медсестру. В первом случае – съел Бога – и вот он «Бог внутри тебя», во втором – налицо буквальное прочтение известного любовного признания «позвольте вашу руку и сердце». Вообще, весь спектакль он о Боге, смерти и любви…
По ощущениям «Июль» очень напоминает зюскиндовского «Парфюмера», но впечатления усиливаются за счет исполнения роли маньяка женщиной (да еше такой хрупкой и утонченной как Агуреева). Есть в нем экивоки и на «Москву-Петушки» Ерофеева – ангелы (сыновья), девушка с косой до попы (медсестра), и вся эта «железнодорожность» в звуковом оформлении спектакля.
Есть в этом спектакле что-то чарующе-языческое наряду с низменно-отвратительным. Но он поражает и долго потом бродит по «лабиринтам памяти и души»…

Я.Ю.

ПРОДУКТ (театр «Практика»)

ПРОДУКТ в театре «Практика» Александр Филиппенко – великолепный актер, Марк Равенхилл – выдающийся автор. И то, и другое не требует доказательств – это аксиомы. А когда они сошлись вместе, да еще на сцене культового театра «Практика» - смесь вышла адская, и получился настоящий «Продукт» – спектакль-шок.
Филиппенко играет голливудского продюсера, одержимого идеей заполучить в свой проект суперзвезду. Ей-то он и рассказывает сюжет будущего «шедевра», постоянно перевоплощаясь, то в саму героиню (собственно актрису), то в ее любовника (исламского террориста).
А сам сюжет, который рассказывает продюсер, невероятно прост, зловещ и вероломен одновременно. Итак, молодая успешная актриса-англичанка «с квартиркой на Трафальгар сквер» влюбляется в араба, у которого «нож и молельный коврик» и становится шахидкой. И это притом, что ее возлюбленный погиб во время теракта 11 сентября в одной из башен.
Продюсер абсолютно уверен в том, что этот «продукт» будет успешно продан и постоянно говорит об этом актрисе – то есть зрительному залу, который и выполняет ее функцию. Получается что, чем низменнее темы, затрагиваемые в подобного рода «продуктах», тем охотнее все это принимается публикой. А при наличии достойной рекламы – вообще уходит влет (несмотря на всю художественную «дешевизну»)!
Тема актуальная, неприятная и довольно скользкая. Исполнена достоверно, пугающе-реалистично, да просто здорово (а когда речь заходит о Бен Ладене – наблюдается даже некоторое портретное сходство – ну тут еще и освещение играет большую роль).
В общем, «Продукт» стоит посмотреть еще и для того, чтобы не забывать, что не каждый продукт пригоден к употреблению. Тот, который в «Практике» - пригоден однозначно!

Я.Ю.

РАССКАЗ О СЕМИ ПОВЕШЕННЫХ (театр «Табакерка»)

РАССКАЗ О СЕМИ ПОВЕШЕННЫХ в театре «Табакерка» Итак - "Табакерка"… Снова и снова не перестаешь удивляться прекрасному, волшебному русскому языку. В словаре это слово означает небольшую, изящную коробочку для хранения табака (острого, душистого, пряного). Любители нюхать табак утверждали, что это занятие прекрасно прочищает мозги, бодрит и сподвигает на решительные действия. Можно с полным правом утверждать, что название любимого театра полностью соответствует этому определению. Спектакль Миндаугаса Карбаускиса "Рассказ о семи повешенных" (по Леониду Андрееву)- очередной подарок для любителей зрелища интеллектуального, тонкого, блестяще поданного, великолепно сыгранного. Как ароматный табак, этот спектакль будоражит наши умы, и заставляет сердце биться быстрее. Те, кто считает, что это слишком тяжелое зрелище, глубоко неправы. Большего позитива я давно не наблюдала в наших театрах. Куда не пойдешь - обязательно получишь либо порцию пошлости, либо - откровенной чернухи, а уж про ненормативную лексику и говорить нечего… А это чудо на сцене "Табакерки" - безукоризненный образец хорошего вкуса. А какие прекрасные лица молодых актеров, как они глубоки - настоящий психологический театр! Это вам не звезды сериалов с кукольными глазами и заученными ломаниями рук. Это игра в лучших традициях нашей русской театральной школы, которой всегда(!) была присуща интеллигентность и чувство меры. Да, тема трагична. Но когда вас окатывают ледяной, кристально чистой родниковой водой, после шока наступает ощущение чистоты не только тела, но и души…

Ирина Жданова
(почетный член клуба)

МАЙЗИНГЕР (театр «Центр драматургии и режиссуры»)

РАССКАЗ О СЕМИ ПОВЕШЕННЫХ в театре «Табакерка» Для начала разберемся с терминологией: майзингер - это «майский певец», в отличии от меннезингера – «менестреля, барда, бродяги, занимающегося сочинением и рассказыванием историй». В нашей истории (а вернее, в пьесе Германа Грекова) нарушать привычный уклад жизни героев, а затем вносить в их жизнь гармонию будет именно Майзингер, а не меннезингер (хотя, этот, наверное, тоже мог бы). А делать это он будет с помощью посланий, которые, в свою очередь, будет доставлять мальчик-почтальон в очках с заклеенной пластырем линзой. И судьбы героев будут подчинены этим посланиям и станут выстраиваться в соответствии с ними: «Скоро все тайное станет явным», «Любите друг друга вопреки всему» или что-то в этом роде. «Россию необходимо запретить как государство, потому что это сборище мазохистов, ждущее садиста, который отымеет их по первое число» - это цитата, а вообще, вся пьеса о любви и о России – здесь все друг друга любят и много говорят о России. Два однокурсника – очень состоявшийся бизнесмен и не очень состоявшийся режиссер – убежденно спорят о судьбе России и любят одну женщину. Сын бизнесмена не спорит о судьбе России, зато любит дочь этой самой женщины. А провинциальный доктор вообще больше любит свои пьесы (потому что он – драматург, как любой нормальный доктор), немножко о России задумывается и как компенсацию получает любовь служанки (ну очень инфернальной дамочки). Ну вот, а тут еще эти самые послания от того самого Майзингера посредством одноглазого мальчика!
В итоге - здорово! В этой вещи есть интрига, есть загадка и провокация, есть мясо, короче, есть … Майзингер (ну нравится мне это слово, что поделать). А если кому-то нужен ключ к разгадке данной мистификации – вот он: «Мы все похожи на инструмент в руках неведомого нам музыканта».

P.S. а еще в Омском театре драмы есть актер … Владимир Майзингер. А Герман Греков - постоянный участник «Лаборатории современной драматургии» при Омском театре драмы. Интересно, а умеет ли омский Майзингер играть на трубе?

Я.Ю.

ПАРИКМАХЕРША (театр «Практика»)

«В нашей парикмахерской всего два рабочих места. За одним из них работаю я, блондинка с черными-пречерными бровями. Одни говорят, что мне только тридцать, другие, что далеко за сорок. Я никогда не спорю. Все зависит от точки зрения и освещения...» - так начинается «Парикмахерша», спектакль, который можно воспринимать как грезы о любви провинциальной женщины в исполнении Инги Оболдиной. Или как стеб над стереотипом мужского восприятия прекрасного пола в изложении Сергея Медведева (автор пьесы). Или просто как смену ярких картинок в детской книжке-раскладушке в интерпретации Полины Бахтиной (художник спектакля).
Парикмахерша Ирина живет в своем собственном ирреальном мире, постоянно фантазируя и придумывая себе новую жизнь и светлое будущее. А в этом светлом будущем – город-герой Москва, фирменный салон, любящий муж и, конечно же, счастливая семья. И совершенно не проблема, что Женька – по-видимому, будущий муж и отец ее детей – это пока уголовник, сидящий в тюрьме за убийство жены. Зато он скоро выходит на свободу и постоянно пишет ей письма романтического содержания, неизменно оканчивающиеся словами: «Люблю, целую, моя дорогая Иришка... Когда прочтешь это письмо, обязательно уничтожь его, я не хочу, чтобы о наших чувствах узнал кто-нибудь посторонний. Твой Женька.». Ирина, естественно, письма исправно уничтожает (чаще всего сжигает), а из-за образовавшегося задымления приезжают пожарные. Потом один из них, по имени Виктор, начинает стричься у Ирины. Да что там стричься, в результате Виктор возвращает парикмахершу Ирину к жизни в прямом и переносном смыслах. Но сначала на свободу выйдет Женька… «Парикмахерша» - это спектакль о том, как легко и приятно находиться в плену у своих иллюзий и «как страшно жить».
Инга Оболдина: «Это очень романтичная история с большой надеждой и предвкушением счастья… Текст простой, но чем проще люди говорят, тем сложнее они чувствуют.»

Я.Ю.

ЛЮСЬЕТ ГОТЬЕ или СТРЕЛЯЙ СРАЗУ (театр «Et Cetera» п/р А. Калягина)

ЛЮСЬЕТ ГОТЬЕ или СТРЕЛЯЙ СРАЗУ в театре «Et Cetera» п/р А. Калягина Веселая, легкая и легкомысленная вещица – французская комедия положений с абсолютно французской темой: любовная неразбериха. А все дело в том, что молодой человек по имени Фернан безуспешно пытается расстаться со своей любовницей – певичкой кабаре Люсьет Готье и жениться на богатой невесте из хорошей семьи. Только вот признаться в своем уходе он никак не может. А её приглашают петь на этой свадьбе! Вот тут-то и начинается веселуха – герои бегают друг от друга и друг за другом, прячутся в шкафах и сундуках, выходят в двери и окна, ходят по карнизам и даже принимают душ из газировки и шампанского.
Сюжет балансирует на грани абсурда, особенно из-за появляющихся по ходу действия персонажей. Тут и пациент психбольницы, воображающий себя героем французской революции, и колоритный боливийский генерал, влюбленный в Люсьет Готье и позиционируемый как настоящий мачо, и все клоунское окружение певицы и, конечно же, шепелявый клерк (в душе оказавшийся настоящим поэтом) Бузан, которому достается от всех действующих лиц спектакля по очереди и разом.
В общем, «смех без причины» является в этом представлении признаком крепкой режиссуры (огромное количество придумок, гэгов, заморочек) и достойной актерской игры. Особенно хороши Владимир Скворцов (Фернан), Наталья Благих (Люсьет), Алексей Черных (Бузан) и Петр Смидович (генерал Ирригуа).
А ещё, в этом спектакле возможно всё – и не удивляйтесь, если вдруг услышите телефонный звонок из бутылки шампанского…

Я.Ю.

СЕЛЕСТИНА (театр «Современник»)

ЛИЯ АХЕДЖАКОВА в спектакле СЕЛЕСТИНА, в театре СОВРЕМЕННИК Театр стоит на выдумщиках. Николай Коляда – выдумщик великий, со своим фирменным «языческо-балаганно-ярмарочно-лубочным» стилем. Второго такого нет, и это здорово!
И по законам своего стиля Коляда устроил на сцене «Современника» действо под названием «Селестина» - яркий, красочный, разноцветный, отвязный и самовязанный праздник с Лией Ахеджаковой в главной роли.
Классический испанский сюжет о старухе-сводне и хозяевах со слугами, которые пытаются построить свое счастье, воспользовавшись её услугами. Естественно, ничем хорошим это не заканчивается ни для кого, кроме Коляды, который взял да и сотворил мудрую и потрясающе красивую притчу с колдовскими танцами-ритуалами, восхитительными, связанными вручную костюмами (авторскими в самом высоком смысле этого слова), изысканными креслами-теремами (как в русских народных сказках), озорными быками, конями и ослами, на которых гарцуют, скачут и еле тащатся главные герои. А сколько в этом спектакле веревочек, ниточек, кусочков разнообразных материй – не описать словами и не передать… Огромное деревянное колесо (кстати, дерева на сцене тоже очень много) – как основная площадка, где разворачиваются события, и не то кран, не то журавль от колодца, нависающий над этим колесом (и в конце обозначающий смерть главных героев). Но немного грустно Вам станет только в самом конце, а все остальное время Вы будете наслаждаться обворожительной Лией Ахеджаковой в замечательном спектакле «Селестина» великого выдумщика Николая Коляды.
А театр стоит на выдумщиках!

Я.Ю.

СКРИПКА РОТШИЛЬДА (театр «МТЮЗ»)

СКРИПКА РОТШИЛЬДА в театре МТЮЗ Сильный психологический спектакль, где все по-настоящему: все сценическое пространство из настоящего дерева (доски, лодка, гробы), актеры, достоверно играющие подлинные людские судьбы, великолепная игра света и тени, классная, попадающая точно в цель, режиссура Камы Гинкаса.
Главный герой – гробовщик Бронза (мне кажется, что такой сильной роли у Валерия Баринова ещё не было) строгает на сцене гробы, играет на скрипке (а какая скрипка может быть у гробовщика-плотника - конечно же, пила!), поколачивает время от времени соседа-еврея Ротшильда и подсчитывает убытки… И за подсчетом этих убытков он практически не замечает, как проходит его жизнь, умирает жена, и он остается совсем один… Хотя, нет, не один, ведь есть же ещё этот самый Ротшильд (не друг, не враг, а так… сосед-еврей), с которым они вместе играют в оркестре на свадьбах. Но все-таки что-то происходит с душой главного героя и, потеряв жену, и сам находясь на пороге смерти, Бронза приходит к пониманию чего-то очень важного и непреходящего. И весь этот процесс «пробуждения души» случится на наших глазах. Только после смерти жены Бронза вдруг вспомнит, что за последние пятьдесят(!) лет своей жизни он ни разу не сказал ей доброго слова и не приласкал, не был на реке, не видел старую вербу, самолично лишив себя всех немудреных радостей жизни, сделав её пресной и безвкусной. И поймет, что «жизнь прошла мимо», но уже поздно что-то менять…
По воле Гинкаса, актеры на сцене проговаривают каждое свое действие, комментируют каждый свой шаг, преподнося чеховский текст по театральному эффектно (иногда используя технику Анатолия Васильева) и раскладывая на диалоги авторский монолог.
…а свою скрипку-пилу Бронза перед смертью дарит заклятому другу Ротшильду. А кому же ещё… Чтобы хоть кто-то вспомнил о нем.

Я.Ю.

ПОЙДЕМ, НАС ЖДЕТ МАШИНА (театр «Центр драматургии и режиссуры»)

ПОЙДЕМ, НАС ЖДЕТ МАШИНА в театре «Центр драматургии и режиссуры» Великолепный пример театральной постановки XXI века. Все в этом спектакле органично и выполнено на высоком уровне: жесткая бытовуха и обыденность противопоставлены рассуждениям и мыслям с «метафизическим уклоном», хронология повествования нарушена, исполнительницы главных ролей Дарья Грачева и Алина Сергеева играют пронзительно и очень точно, совпадение текста Клавдиева и режиссуры Агеева – практически стопроцентное. Тексты такой силы и внутренней мощи появляются нечасто, ставятся еще реже… Некоторые клавдиевские идеи прочно заседают в голове и не покидают её после того, как выходишь на улицу из уютного здания дома Высоцкого. Это по-женски страстная и по-мужски бескомпромиссная вещь, трагичная и смешная, взрослая и наивная, честная и мечтательная, относиться к которой можно по-разному, но нельзя не признать, что настоящее театральное событие под названием «Пойдем, нас ждет машина» - состоялось!
А вообще, очень рекомендую открыть для себя тольяттинца Юрия Клавдиева – одного из наиболее харизматичных представителей «Новой драмы»: в театре «Практика» поставили его пьесу «Собиратель пуль», а в «Центре драматургии и режиссуры» идет моноспектакль «Я - пулеметчик». Очень ярко, жестко, талантливо, а главное - честно.

Михаэль Агафонов
(программа «Ваше Величество Море '2006»)

ГАРОЛЬД и МОД (театр «Сфера»)

ГАРОЛЬД и МОД в театре «Сфера» Очаровательная пьеса, прекрасная постановка, изысканная игра актеров (Римма Быкова – лучшая роль).
О трогательной дружбе юноши Гарольда и женщины преклонных лет Мод. Так вот, эта женщина (а ей скоро 80) настолько молода и прекрасна душой, открыта, эксцентрична и обаятельна, что не может не очаровать и не влюбить в себя сначала Гарольда, а затем и всех (без исключения!) зрителей. Он полюбил ее за то, что она научила его любить жизнь!
Спектакль полон веселыми (многочисленные невесты, навязываемые матерью Гарольду) и трогательными (общение Гарольда и Мод) сценами. Он предлагает задуматься прежде всего о том, как восхитительно хорош наш мир, как много может получить от него человек, если научится отдавать и дарить, не задумываясь о выгоде и последствиях… Спектакль о пути, который мы выбираем и о Наставнике, который помогает нам выбрать этот Путь.
(К сожалению, в сезоне 2007 спектакля не было в репертуаре «Сферы».
Если появится – не пропустите ни в коем случае!)
Кстати, это тот спектакль, на который непростительно идти без цветов!

Я.Ю.